C'est curieux à dessiner, ce n'est pas une sphère, ce n'est pas cubique, c'est un peu entre deux. Elles se déforment sous la pression.

Elles ont de belle couleurs soutenues, un jaune citron, un vert émeraude et un bleu outremer comme vous pouvez le voir :D

J'ai essayé de rendre les valeurs sur des couleurs très différentes. En terme de valeur le bleu et le vert sont quasiment identique, le jaune est plus clair. Le jaune dans l'ombre à donc une valeur plus claire que le bleu ou le vert dans l'ombre.

Si vous voulez voir mes autres natures mortes, c'est ici :

  Crayon graphite 2B et 5B  sur papier croquis

Quelques livres de dessin pour trouver l'inspiration 

Après avoir feuilleté pour la énième fois le livre l'Atelier de dessin de Juliette Aristides ainsi que Les carnets de dessin de Sarah Simblet j'ai eu envie de revenir à quelques fondamentaux du dessin classique.

Lorsque je vois le contenu de ces livres et le savoir et l'expérience accumulée de leurs auteurs, je me dis que le contenu, bien que très interessant sur certains points, nous laisse souvent sur notre faim et ne représente qu'un millième de ce qui pourait nous être expliqué. Je crois que pour en savoir plus il faudrait bien sûr pouvoir suivre le chemin de leur atelier...Mais les dessins sont beaux et si on est observateur il y a de belles leçons à en tirer.

Mais revenons à mon dessin...

Traiter les valeurs

J'ai disposé ces deux têtes sur un présentoir, les ai éclairées d'un côté avec une lumière assez forte. Je me suis intéressée dans ce dessin aux différentes valeurs. J'ai toujours beaucoup de mal avec les objets clairs, les nuances sont assez subtiles et je manque d'entrainement pour les traiter correctement, mais je n'en ai pas terminé avec ces têtes et essayerai un fond plus sombre pour cette nature morte et observerai de mon mieux les rapports des différentes valeurs entre elles. J'aurais aimé donner à ses têtes un peu plus de volume, mieux traiter la partie très légère de l'enveloppe détachée de la tête,  je verrai si j'ai plus de réussite la prochaine fois...

Technique et composition

Sur le plan technique, j'ai tout d'abord esquissé la forme générale au crayon HB sans trop appuyer puis j'ai marqué à la fois en hachures et aplats les tons les plus foncés pour aller vers les plus clairs.

J'ai terminé le dessin en dessinant une arête qui n'existait pas en réalité dans mon cadrage, Cette arête pourrait représenter la rencontre entre un plan horizontal et vertical ou bien le bord d'une table avec le vide derrière. Je ne vois pas bien si cela est crédible. Il manque peut être pour que cette deuxième possibilité le soit un traitement différent de la limite des deux parties...

Cadrage de la composition

Pour cadrer la nature morte j'utilise un viseur, c'est une fenêtre découpée dans un morceau de carton et qui est proportionnelle au format de dessin ou de tableau choisi.

Je regarde la composition à travers ce viseur, ce qui permet d'isoler la composition de tout ce qui l'environne et d'avoir ainsi une vision plus précise de la qualité de la composition

La photo ci dessous donne un aperçu de l'installation, malheureusement de nuit, alors que je l'ai utilisée en plein jour. La lampe rapprochée m'a permis d'accentuer la lumière que je trouvais insuffisante.

Mes autres Natures Mortes (juin 2012) ici :

http://www.apprendre-a-dessiner.net/pages/Natures_mortes_Juin_2012-7891649.html

J'ai commencé  à lire dans ses grandes lignes le livre d'Anthony Ryder, Dessiner le nu Le guide complet de l'artiste.

J'ai essayé une mise en oeuvre de la technique globale décrite en dessinant tout d'abord le coutour du corps puis les ombres et les lumières à l'intérieur du contour par de multiples hachures croisées.

Un aspect toujours rassurant est le temps passé par l'artiste au dessin. Anthony Ryder précise qu'il lui faut environ douze sessions de trois heures pour dessiner un nu d'après modèle.

Je n'avais pas de modèle nu à disposition, je me suis donc rabattue sur une photo, ce qui est toujours un peu frustrant car les volumes sont souvent assez plats mais qui permet de prendre son temps et de faire un travail plus minutieux car il n'y a pas de limite de temps.

Il est difficile de trouver un cours de dessin d'après modèle avec des poses de longue durée,  c'est un peu dommage...

Me voici donc pour la  5ème séance avec mes feuilles gigantesques sous le bras et j'apprends que : " Non non non aujourd'hui, on fait peinture !! " 

Zut j'avais complètement oublié que les deux dernières séances du mois de décembre il était prévu de faire un atelier avec de la peinture ou de l'encre.

Aie... je révise alors tous mes plans et pour approcher un petit peu la peinture avec le maigre matériel que j'ai apporté, je choisis la sanguine, la craie et le fusain sur un papier mi-teinte.

J'ai donc dessiné un nu aux trois couleurs, le blanc (craie ou pastel), le rouge (sanguine ou variantes), et le noir du fusain. Cela donne envie de revenir aux dessins de Grands Maitres pour voir comment ils utilisent ces trois couleurs.

En même temps lorsqu'on regarde en détail un dessin, on ne voit plus le modèle et il est très difficile de comprendre comment a pu se faire le passage du modèle au dessin. Je trouve passionnant de voir l'exécution d'un dessin en direct tout en ayant le modèle sous les yeux, on peut alors voir la traduction qui en est faite ainsi que l'interprétation.

J'ai choisi de faire un peu de modelage, non seulement pour le plaisir tactile du modelage lui même et la construction en 3 dimensions mais aussi car je pense que cela peut m'aider à progresser dans le domaine du dessin.

Le modelage peut être complémentaire à l'apprentissage du dessin. Dans le cadre du dessin de portrait ou de nu, essayer de comprendre un visage ou le corps humain en le modelant permet de concrétiser les éléments de construction anatomique qu'on connait en dessin et ainsi de mieux se les représenter.

J'ai acheté un kit de modelage pour débuter. On en trouve assez facilement dans certains magasins de bricolage de fournitures beaux arts ou de loisirs créatifs. J'ai trouvé le mien chez Cultura. Il y avait un pack d'argile autodurcissante fourni dans le pack. Je vous déconseille ce type d'argile pour débuter car elle sèche très vite dès qu'elle est au contact de l'air, en quelques heures on obtient une pate qui se solidifie et qui devient de plus en plus difficile à travailler.

J'ai fait un premier essai avec cette pate autodurcissante. Pour limiter son durcissement et pour avoir un peu plus de temps pour la travailler je l'ai recouverte en cours de travail d'un linge humide. Cela permet de ralentir le séchage. Mais je me suis tout de même retrouvée très rapidement avec des bouts d'argile secs impossibles à amalgamer.

S'il y a une perforation dans le pack d'argile, elle durcira aussi très rapidement.

Il vaut donc mieux utiliser un pain d'argile classique non chamotté en pain de 5 ou 10 kg (chez les Briconautes ! ) et de trouver par la suite un four où cuire le modelage.

J'avais tout d'abord décidé de modeler un crâne en consultant des livres d'anatomie, puis d'y intégrer les muscles et ensuite les tissus pour avoir une vision complète de la construction d'une tête. Mes connaissances en modelage m'on fait renoncer à construire la tête grandeur nature car se posait alors des problèmes de poids du modelage à gérer. J'ai donc décidé de construire uniquement le visage de face (un masque en quelque sorte) et je me suis limitée au bas du visage car je n'avais pas prévu un pain d'argile suffisament important, mais je me suis équipée pour de futurs modelages :)

Voici quelques étapes de mon petit essai :

A vous de jouer !